Les États-Unis en 53 livres photo

Susan Meiselas : Prince Street Girls

Susan Meiselas est une photographe américaine née en 1948. Dans ses projets documentaires, elle explore les questions de culture, d’identité et de conflit, souvent à travers un regard profondément humaniste.

Tout son talent se remarque dans la série intitulée Prince Street Girls qu’elle a réalisée dans les années 1970.

Elle photographie des jeunes filles dans le quartier de Little Italy à New York. Sur les images, on voit leur quotidien à travers des moments simples comme jouer dans la rue ou discuter entre copines.

Comme souvent chez Meiselas, des moments intimes révèlent des histoires plus grandes. Dans Little Italy, on entrevoit ce qu’était la vie d’une jeune adolescente qui grandissait à New York dans les années 1970.

Plus de Susan Meiselas :

➜ Livre : acheter Prince Street Girls et voir ses autres livres disponibles sur amazon ou le bon coin

➜ Instagram : suivre @susanmeiselas

➜ Podcast : écouter Susan Meiselas : « Pour moi, voir c’est écouter » (59 min), un entretien réalisé par Caroline Broué pour le podcast Les Masterclasses, diffusé en 2019 sur France Culture

William Eggleston : Election Eve

Le livre Election Eve contient des images réalisées en octobre 1976, un mois avant que Jimmy Carter ne soit élu président des États-Unis. C’est une commande que passe le magazine Rolling Stone à William Eggleston, alors âgé de 37 ans.

Fidèle à lui-même, Eggleston ne prend aucune image ni de Carter ni de ses proches. Uniquement des photos de routes isolées, de voies ferrées, de voitures, de stations-service et de maisons pour la plupart vides.

Jetez un coup d’oeil à cet article si vous voulez en savoir plus sur le William Eggleston. Je décortique notamment ses influences et raconte comme il est devenu cette légende de la photographie.

Guide pour devenir le prochain William Eggleston

Plus de William Eggleston :

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➜ Instagram : suivre @egglestonartfoundation

➜ Vidéo : voir Rambling through Eggleston’s Democratic Forest (43 min) où Alec Soth analyse en anglais le travail de William Eggleston : brillant et indispensable

➜ Documentaire : voir By the Ways: A Journey with William Eggleston (1h27) réalisé en 2007 par Vincent Gérard et Cédric Laty

➜ Podcast : écouter l’émission William Eggleston (53 min) provenant du podcast Sur les docks diffusé en 2014 sur France Culture, avec des invités de choix : les photographes Joel Meyerowitz, Martin Parr, Raymond Depardon ; les critiques Régis Durand, Brice Matthieussent, David Campany ; le co-réalisateur du documentaire By the Ways: A Journey with William Eggleston, Vincent Gérard.

Lee Friedlander : Self Portrait

Lee Friedlander est un photographe de rue américain né en 1934. Un grand nom connu pour ses paysages urbains et ses scènes de la vie quotidienne qu’il capture dans des compositions complexes, souvent remplies de reflets, d’ombres ou de cadres dans le cadre.

Souvent, il intègre des éléments visuels inattendus, tels que des miroirs, des vitrines, ou des panneaux de signalisation, qui ajoutent des niveaux de complexité et de profondeur à ses images. Ses photos brouillent ainsi la frontière entre le sujet et son environnement, ce qui crée une sorte de tension visuelle et narrative.

Friedlander ne cherche pas à capturer des moments décisifs ou à faire des déclarations sociales évidentes. Au contraire, il se concentre sur la banalité du quotidien, qu’il transforme en compositions visuellement intrigantes.

Comme ici :

Dans cet article, je mets en avant une autre partie de son travail, qui pour moi n’a pratiquement pas d’équivalent dans l’histoire de la photographie – si ce n’est peut-être Vivian Maier, – ses incroyables autoportraits.

Au sujet de ses autoportraits, Friedlander dit :

« Au début, ma présence sur mes photos était fascinante et dérangeante. Mais au fur et à mesure que le temps passait et que je faisais de plus en plus partie d’autres idées, j’ai pu ajouter un petit tressaillement à ces sentiments. »

Son apparence peut être observée par des ombres, des miroirs et parfois même plus directement réfléchie à travers l’objectif de son appareil photo.

Self Portrait, sorti en 1992, rassemble ces images. C’est un livre mythique.

Aujourd’hui, à 90 ans passés, Friedlander continue obsessionnellement à se photographier. Probable qu’il rende son dernier souffle en prenant un ultime selfie.

Plus de Lee Friedlander :

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Joel Meyerowitz : Cape Light

Je vous raconte vite fait l’histoire derrière le livre culte Cape Light.

En 1976, Joel Meyerowitz achète une chambre Deardorff en bois, utilisée au 19e siècle par les photographes paysagistes. Il y fixe un grand angle.

L’été suivant, il part avec sa famille à Cap Cod, au Nord-Est de New York. Dans le logement prêté par un ami, il installe un plan-film, pose le tissu noir sur la tête et ouvre l’obturateur. Sur le verre dépoli, il voit l’intérieur de la maison. L’excitation le gagne.

Plus tard, il imprimera cette photo en format géant, 5 mètres sur 6. Le négatif, immense, a capté chaque détail : la lumière douce et les verticales parfaites des portes et des murs.

Pendant deux étés, Meyerowitz ne quittera plus la chambre Deardorff. Dans sa voiture, elle est sur le siège arrière. Sur la plage, sur son épaule. Partout où il va, elle est là. Toutes ces années dans la rue avec son petit Leica l’aident.

Deux ans plus tard, en 1978, il publie son chef d’œuvre Cape Light, recueil de photographies prises à Cap Cod avec la chambre Deardorff.

Si vous voulez tout savoir sur Joel Meyerowitz, jetez un coup d’oeil à mon article :

Comment la street photography a révélé Joel Meyerowitz

Plus de Joel Meyerowitz :

➜ Livre : acheter Cape Light et voir ses autres livres disponibles sur amazon ou le bon coin

➜ Instagram : suivre @joel_meyerowitz

➜ Podcast : écouter l’émission Joel Meyerowitz : « Pour moi, la photographie est le véhicule de mon existence » (25 min) provenant du podcast L’invité culture diffusé en 2018 sur France Culture.

Vivian Maier : The Color Work

Publié en 2018, The Color Work rassemble les photos en couleur de Vivian Maier (1926-2009), une part méconnue de son travail.

La photographe teste la couleur dès les années 1950. Dans les années 1970, elle abandonne définitivement le noir et blanc après avoir acheté un Leica.

Ses photos, prises dans les rues de New York ou Chicago, montrent des scènes du quotidien où les couleurs jouent un rôle central. C’est une partie moins connue de l’œuvre de Maier, souvent associée au noir et blanc.

Son travail en couleur est remarquable, avec un humour à la Martin Parr et une poésie à la Saul Leiter. Et toujours, ce fabuleux sens du cadrage.

Si vous voulez tout savoir sur la vie de Vivian Maier, jetez un coup d’oeil à mon article. J’y détaille des sujets rarement abordés, comme sa personnalité et ses influences.

La folle vie intérieure de Vivian Maier

Plus de Vivian Maier :

➜ Livre : acheter The Color Work et voir ses autres livres disponibles sur amazon ou le bon coin

➜ Instagram : suivre @vivianmaierarchive

➜ Podcast : écouter l’émission L’invention et la découverte de Vivian Maier (58 min) provenant du podcast La Compagnie des œuvres diffusé en 2021 sur France Culture.

Robert Adams : Summer Nights, Walking

Robert Adams est un photographe américain né en 1937. Il est reconnu pour ses travaux sur les paysages de l’Ouest américain, où il explore les effets du développement de la ville et de l’homme sur la nature. Ce qui le rend unique, c’est son approche documentaire alliée à une grande sensibilité esthétique.

Son travail est connu pour être un peu hermétique. Summer Nights, Walking est son projet le plus accessible.

Ces nuits d’été sont une promenade nocturne dans les rues de Longmont, dans le Colorado, où Robert Adams vivait dans les années 1970.

D’abord banales, voire austères, les images livrent leurs secrets à ceux qui prennent le temps de les observer. Elles déçoivent si l’on attend d’elles une signification évidente.

Publiée pour la première fois en 1985 sous le titre Summer Nights, la série a une nouvelle fois été éditée par les éditions Steidl en 2023.

Plus de Robert Adams :

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➜ Site internet : consulter celui de la Fraenkel Gallery qui présente un bonne part du travail de Robert Adams

Ray K. Metzker : The Photographs of Ray K. Metzker

Ray K. Metzker (1931-2014) est un photographe américain connu pour ses expérimentations fascinantes avec la lumière et les ombres.

Influencé par le modernisme, il se distingue par son utilisation innovante du contraste et de la géométrie dans la composition. Son style unique transcende les conventions de la photographie de rue de l’époque, jusqu’à créer des images presque abstraites.

Admirez ce clair-obscur mettant en scène un marin.

La maîtrise formelle de l’image est frappante. Le contraste entre la lumière intense et le noir omniprésent capte l’attention. Tout comme l’unique sujet. La tête inclinée du marin, au moment où il entre dans l’ombre, apporte une émotion discrète mais palpable.

Le livre The Photographs of Ray K. Metzker est une rétrospective qui couvre plusieurs décennies de son travail, principalement des années 1950 aux années 1980.

Plus de Ray K. Metzker :

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➜ Article : lire Ray K. Metzker et les bonnes images (17 min) sur le blog de Thomas Hammoudi

Stephen Shore : Uncommon Places

Publié à l’origine en 1982, le livre Uncommon Places a donné envie à des générations de photographes de prendre la route et de s’équiper d’une chambre grand format 8×10.

Dans ce livre culte, Stephen Shore, né en 1947, documente les paysages urbains et suburbains des États-Unis, en se concentrant sur le banal du quotidien. Les photos ont été prises entre 1973 et 1981.

Stephen Shore dit :

« Voir quelque chose de spectaculaire et y voir une possibilité photographique n’est pas un grand pas en avant. Mais voir quelque chose d’ordinaire, quelque chose que l’on voit tous les jours, et y voir une possibilité photographique, voilà ce qui m’intéresse. »

Dans une interview pour la Fondation Henri Cartier-Bresson, Stephen Shore commente la photo suivante prise le 13 juillet 1974 sur Holden Street dans la ville de North Adams, dans le Massachusetts.

Stephen Shore dit :

« La photo montre une rue d’une ville industrielle du 19e siècle avec ses bâtiments en briques rouges. On voit surtout où se termine la ville et où commence la campagne. L’image montre exactement la limite entre la ville et la campagne. C’est quelque chose qui m’intéresse et que l’on voit très rarement aussi nettement depuis le sol que sur cette photo de North Adams. »

Extrait de l‘interview filmée de Stephen Shore dans le cadre de l’expo “Véhiculaire & Vernaculaire” à la fondation Henri Cartier-Bresson (5min42)

Plus de Stephen Shore :

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➜ Instagram : suivre @stephen.shore

➜ Vidéo : voir la discussion entre Stephen Shore et Quentin Bajac (58 min), directeur du Jeu de Paume, diffusée sur youtube à l’occasion de la rétrospective Stephen Shore : Véhiculaire & Vernaculaire (2024), à la Fondation Henri Cartier-Bresson.

Bernard Plossu : Western Colors

Le photographe français Bernard Plossu a 20 ans lorsqu’il arrive au Nouveau-Mexique au milieu des années 1960, où il retrouve les décors familiers de son enfance, ceux qu’il voyait dans les westerns avec son père.

Western Colors se concentre sur son travail réalisé dans les années 1970 et 1980. Plossu mêle les tumbleweeds – ces légendaires buissons roulants – aux routes ocres de Monument Valley, en passant par les diners, les stations-service, et une simple paire de boots.

Plossu ne capture pas des lieux ou des sujets précis, mais plutôt des sensations et des impressions, que transcendent les tirages effectués par le procédé Fresson.

Plus de Bernard Plossu :

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➜ Podcast : écouter deux interviews de Bernard Plossu issues des podcasts de Radio France :

• Bernard Plossu, les années américaines (54 min), une émission diffusée en 2023 dans le podcast de France Inter, Les chemins de la connaissance

• Made in USA, la photographie de Bernard Plossu (27 min), une émission diffusée en 2023 dans le podcast de France Culture, Bienvenue au Club

Nan Goldin : La Ballade de la Dépendance Sexuelle

Nan Goldin est une photographe américaine née en 1953, connue pour son travail intime et autobiographique qui aborde des thèmes comme l’amour, la sexualité, la dépendance et la marginalité.

La Ballade de la Dépendance Sexuelle, publié en 1986, est son oeuvre la plus emblématique, l’une des plus importantes du 20ème siècle. Le critique photo Andy Grundberg écrit dans les colonnes du New York Times du 21 décembre 1986 :

« Ce qu’était Les Américains de Robert Frank dans les années 50, La Ballade de la Dépendance Sexuelle de Nan Goldin l’est pour les années 80. »

On est plongé dans la vie intime de Nan Goldin, en compagnie de ses amants et de ses amis, issus du milieu underground et LGBTQ+ de New York.

Nan Goldin ne cherche pas la perfection technique, mais à saisir la vérité de l’instant. Ses images, faites à la lumière ambiante, sont souvent floues et granuleuses, ce qui donne l’impression de plonger dans la vraie vie de la photographe et touche directement au coeur.

Si vous voulez tout savoir sur La Ballade de la Dépendance Sexuelle, je décrypte le livre dans un article :

La ballade de Nan Goldin : de l’intime à l’universel

Plus de Nan Goldin :

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➜ Instagram : suivre @nangoldinstudio

➜ Podcast : écouter deux interviews de Nan Goldin :

• Songes avec Nan Goldin (54 min), une émission diffusée en 2018 dans le podcast de France Inter, L’Heure bleue, présenté par Laure Adler.
• L’autoportait : Nan Goldin (60 min), une émission diffusée en 2006 dans le podcast de France Culture, Les Nuits de France Culture, présenté par Jean Daive.

➜ Documentaire : voir le magnifique Toute la beauté et le sang versé (2h07) réalisé en 2023 par Laura Poitras

Wim Wenders : Written in the West

En 1983, le réalisateur allemand Wim Wenders prépare son film Paris, Texas. Il parcourt l’Ouest américain à la recherche de lieux et de sujets inspirants, équipé d’un appareil photo moyen format 6×7.

Pendant plusieurs mois, il conduit sur les routes du Texas, de l’Arizona, du Nouveau-Mexique et de la Californie, fasciné par l’immensité et la lumière de ces endroits.

Le livre Written in the West sorti en 1987 rassemble ces images.

Plus de Wim Wenders :

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➜ Vidéo : regarder 3 vidéos youtube :

• The Photography of Wim Wenders (10 min), une vidéo réalisée en 2021 par Tatiana Hopper (en anglais).
• Wim Wenders est dans le Vidéo Club (24 min), une vidéo réalisée en 2023 par Konbini.
• Wim Wenders en 10 minutes (12 min), une vidéo réalisée en 2023 pour l’émission d’Arte, Blow Up.

Richard Avedon : In the American West

Entre 1979 et 1985, le photographe Richard Avedon (1923-2004) a parcouru l’Ouest américain avec une chambre grand format pour capturer les visages et les histoires de gens ordinaires : travailleurs manuels, petits employés, marginaux.

En 6 ans, il a voyagé à travers 17 États et 189 villes, réalisant 752 portraits, du Texas à l’Idaho.

Le photographe a utilisé un fond blanc pour ses portraits, isolant ainsi les sujets de leur environnement et renforçant l’impact de chaque image.

In the American West, qui rassemble ces images, est une oeuvre majeure dans l’histoire de la photographie américaine.

Plus de Richard Avedon :

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➜ Podcast : écouter Richard Avedon, bigger than life (59 min), une émission diffusée en 2017 dans le podcast de France Culture, Vies de photographes

Joel Sternfeld : American Prospects

American Prospects (1987) explore l’Amérique des années 1980. Sternfeld, né en 1944, photographie des paysages et des scènes de la vie quotidienne, en révélant des détails surprenants et des contrastes inattendus.

Le photographe combine la beauté des paysages américains avec des éléments de la vie moderne, souvent avec une touche d’ironie. Il a un regard à la fois critique et poétique sur les transformations sociales et environnementales des États-Unis.

Plus de Joel Sternfeld :

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➜ Instagram : suivre sternfeldarchive

Raymond Depardon : Depardon USA

On ne présente plus Raymond Depardon, l’un des plus grands photographes français, connu pour son approche documentaire et son regard humaniste. Il a eu mille vies. L’une d’elles l’a conduit aux États-Unis, où il est allé plusieurs fois au cours de sa carrière.

Il y a photographié, pour des magazines ou pour lui-même, des moments clés de l’histoire mais aussi des scènes de rue et des paysages plus contemplatifs, emblématiques de l’Amérique.

Le livre Depardon USA rassemble ces images, la plupart prises au cours des années 1980.

Plus de Raymond Depardon :

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➜ Instagram : suivre rdepardon

➜ Podcast : écouter une série d’entretiens intitulée Raymond Depardon, subjectif derrière l’objectif (2h05), diffusée en 2006 dans le podcast de France Culture, À voix nue :

• Épisode 1/5 : Raymond Depardon : « Je suis capable de vivre un temps peut-être un petit peu différent de celui des villes » (25 min)
• Épisode 2/5 : Raymond Depardon : « Au fond de moi, je n’étais pas fait pour être photographe » (25 min)
• Épisode 3/5 : Raymond Depardon : « Rester dans un lieu, ne plus y bouger et construire un film comme ça, à la bonne distance » (25 min)
• Épisode 4/5 : Raymond Depardon : « Dès qu’il y a photographie, il y a prise de cadre, moment choisi, un engagement » (25 min)
• Épisode 5/5 : Raymond Depardon : « Je suis très passé et très avenir. Je suis maladroit dans le présent. » (25 min)

Bruce Gilden : Facing New York

Tous les photographes de rue ont leur avis sur Bruce Gilden, le spécialiste du flash dans la tête des gens. Certains trouveront son approche dérangeante. D’autres, comme moi, estiment que dans ses images, on « sent » bien la rue et qu’au final, il ne fait rien de mal – c’est juste une photo, les gars !

NewYork lui va comme un gant, Bruce Gilden étant fasciné par les « personnages ».

Le photographe arrive à saisir l’énergie des rues new-yorkaises mais aussi son humanité derrière les apparences.

Gilden ne cherche pas à embellir ou à idéaliser, mais plutôt à témoigner de la réalité brute de la vie quotidienne.

Sorti en 1992, le livre Facing New York rassemble toutes ces images.

Plus de Bruce Gilden :

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➜ Podcast : Écouter Bruce Gilden (11 min), une émission diffusée en 2012 dans le podcast de France Culture, Mon œil !, présenté par Amaury Chardeau, où le photographe témoigne de son rapport intime à son métier.

Bruce Davidson : Subway

Bruce Davidson est un photographe américain né en 1933. Il est très fort pour s’immiscer dans les communautés ignorées et à la marge.

Dans les années 1980, il réalise une série dans le métro de New York, Subway, publiée pour la première fois en 1986 par Aperture.

C’est un choc.

Non seulement pour l’aspect documentaire d’un moment particulier de New York. (À cette époque, le métro est un lieu dangereux, où la criminalité est omniprésente.)

Mais aussi pour son esthétique qui emporte tout. Avec son appareil photo et un flash puissant, Davidson saisit des scènes hallucinantes et révèle l’énergie brute et chaotique d’un endroit qui s’est depuis assagi.

Plus de Bruce Davidson :

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➜ Instagram : suivre brucedavidsonphoto

➜ Podcast : écouter New York avec Bruce Davidson (59 min), une émission diffusée en 2015 dans le podcast de France Culture, Continent musiques.

Jamel Shabazz : Back in the Days

Jamel Shabazz est un photographe américain né à Brooklyn en 1960. Il a pas mal bossé sur les minorités aux États-Unis : noires, latinos et LGBT. Ses images, souvent joyeuses, célèbrent l’identité et le style de ces communautés.

Dans Back in the Days, on plonge à New York au tout début du hip-hop dans les années 80, bien avant les millions de dollars que brassent aujourd’hui cette industrie.

Avec son appareil photo, Shabazz documente cette émergence. On voit la jeunesse de l’époque, vêtue de sneakers, de casquettes Kangol et de chaînes en or. Le photographe immortalise non seulement un style devenu emblématique et une esthétique, mais aussi un moment culturel important.

Le livre Back in the Days (2002) est une référence qui montre la naissance d’un mouvement qui façonne le paysage culturel mondial.

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Jeff Mermelstein : SideWalk

Jeff Mermelstein est un photographe américain né en 1957. Sidewalk (« Trottoir »), publié en 1999, présente le meilleur de ses photos de rue réalisées à New York dans les années 1990.

Son travail combine le hasard de la rencontre avec un humour qui fonctionne, chose suffisamment rare dans la photo de rue pour le signaler.

Plus de Jeff Mermelstein :

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Philip-Lorca DiCorcia : Hustlers

La série Hustlers de Philip-Lorca DiCorcia met en lumière la réalité des travailleurs du sexe masculin à Hollywood, dans les années 1990.

Entre 1990 et 1992, DiCorcia a passé deux ans à parcourir Hollywood pour trouver ses sujets. Bien que les photos semblent spontanées, il a soigneusement sélectionné les lieux et testé la lumière avec son assistant avant de photographier les modèles.

Dans ce quartier de West Hollywood surnommé « Boystown », le photographe a abordé des jeunes hommes pour les convaincre de poser plutôt que de s’engager dans des activités sexuelles rémunérées.

Cette série, financée en partie par une bourse du Fonds national pour les arts, a été au cœur de controverses sur le financement public de l’art. Elle a également alimenté les débats académiques sur le rôle de la photographie dans la représentation de la réalité, DiCorcia jouant avec les notions de mise en scène et de vérité photographique. Ce qui peut faire sourire aujourd’hui à l’heure de l’IA.

Plus de Philip-Lorca DiCorcia :

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Chien-Chi Chang : Chinatown

Chien-Chi Chang est un photographe taïwanais né en 1961.

La série Chinatown raconte l’histoire des immigrants chinois à New York. Depuis l’arrivée des premiers marins chinois à Baltimore en 1785, jusqu’à l’afflux massif de chercheurs d’or au 19ème siècle, les quartiers chinois se sont formés comme refuges face aux émeutes anti-immigration.

Les photos de Chien-Chi Chang montrent la dure réalité de l’immigration : des visages marqués par la fatigue, des rues étroites, des moments de solitude et de lutte. Elles révèlent la résilience des immigrants, luttant pour une vie meilleure.

Les images de Chang montrent la dualité de l’immigration – un lien avec le pays d’origine et un sentiment d’isolement. Elles parlent de sacrifices silencieux, de rêves de prospérité, et célèbrent aussi l’ingéniosité et la résistance des communautés qui vivent loin de chez eux.

Plus de Chien-Chi Chang :

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Todd Hido : House Hunting

Entre 1996 et 2001, le photographe américain Todd Hido a pris des photos de maisons la nuit, souvent avec des lumières allumées à l’intérieur, mais sans montrer les gens qui y vivaient.

Les images ressemblent à des scènes de films où l’on se demande ce qui se passe derrière ces fenêtres éclairées. Chaque image, chaque maison, demeure un mystère.

À travers ces moments à la fois calmes et étranges, Hido montre dans House Hunting la solitude et les secrets des banlieues américaines.

Plus de Todd Hido :

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Justine Kurland : Girl Pictures

Justine Kurland est une photographe américaine née en 1969. Girl Pictures est une histoire où les filles sont les héroïnes.

Kurland a créé des mises en scène dans des paysages à la fois sauvages et magnifiques, dont l’esthétique fait presque penser à des rêves.

Girl Pictures montre des filles, souvent seules ou en petits groupes, en pleine nature, dans des scènes presque magiques, ou tout du moins hors du temps, comme si les images étaient extraites d’un conte. La photographe explore des thèmes comme la jeunesse, la féminité, la quête de liberté et d’évasion.

Plus de Justine Kurland :

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Alec Soth : Sleeping by the Mississippi

En 2004, le photographe Alec Soth publie à 34 ans son premier livre intitulé Sleeping by the Mississippi.

Avant cela, le photographe est un jeune homme rêveur et solitaire, qui peine à réaliser ses ambitions créatrices. Grâce à Sleeping by the Mississippi, il devient l’un des plus importants photographes américains.

Si vous voulez tout savoir sur Alec Soth et sur la façon dont il a imaginé Sleeping by the Mississippi, jetez un coup d’oeil à mon article :

Alec Soth raconte les rêveurs, les solitaires et autres décalés

Plus d’Alec Soth :

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Mike Brodie : A Period of Juvenile Prosperity

En 2006, voulant rendre visite à un ami, Mike Brodie, né en 1985, saute dans un train qui passe près de chez lui, mais il chope le mauvais. C’est ainsi que commence son errance en train à travers les États-Unis.

La découverte d’un appareil Polaroid derrière un siège lui offre une autre passion : la photographie. A Period of Juvenile Prosperity regroupe ses rencontres de 2006 à 2009, des jeunes vagabonds croisés lors de son périple.

Sur plus de 80 000 kilomètres et 46 États, Mike Brodie photographie sans s’arrêter ces corps et ces visages. Au total, il prendra près de 7 000 photos, qui racontent une génération en quête de sens.

Plus de Mike Brodie :

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Vanessa Winship : She Dances on Jackson

En 2011 et 2012, la photographe anglaise Vanessa Winship a voyagé dans le Sud des États-Unis, de la Californie à la Virginie, du Nouveau-Mexique au Montana, pour comprendre le lien entre les territoires et leurs habitants. Il en résulte le projet au joli titre, She Dances on Jackson.

Ce projet est une conversation entre paysages et portraits, où chaque image révèle la complexité de la relation entre les lieux et les personnes qui les habitent.

She Dances on Jackson marque une évolution dans le travail de Winship. Bien que son style reste fidèle à son utilisation du noir et blanc et de la chambre grand format, elle démontre ici aussi un grand talent pour photographier les paysages.

Plus de Vanessa Winship :

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Ronan Guillou : Country Limit

Ronan Guillou (1968-2022) est un photographe français mort bien trop jeune. Il a beaucoup photographié les États-Unis, en particulier les communautés en marge des grandes villes.

Comme dans Country Limit publié en 2015. Le titre est inspiré du panneau « City Limit » qui marque l’entrée dans les villes américaines.

Guillou y mêle la description sociale et l’observation des paysages. Il montre combien les hommes et la nature sont fragiles dans ces zones rurales du fait de l’exigence du monde moderne.

Plus de Ronan Guillou :

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Gregory Halpern : ZZYZX

L’histoire de la photographie est remplie de photographes qui ont proposé leur propre vision du monde, projetant leurs idées de manière plus ou moins subtile.

Le monde est aujourd’hui plus complexe que par le passé. C’est pourquoi de jeunes photographes tentent de proposer une vision plus nuancée du monde. Qui reflète toutes ses contradictions.

Leur photographie est souvent ambiguë et ouverte à interprétation. Elle ne propose pas de message unique et clair ni d’explications simples ou faciles. En cela, elle serait post-documentaire.

Gregory Halpern est l’un d’eux. ZZYZX, publié en 2016, est un chef d’oeuvre.

Dans ce livre, on plonge dans un monde post-apocalyptique, comme si une catastrophe avait frappé la ville de Los Angeles.

Le bouquin m’a mis une telle claque que j’ai décidé de le décrypter dans un article. Jetez-y un coup d’oeil :

« ZZYZX » de Gregory Halpern : le futur de la photographie américaine

Plus de Gregory Halpern :

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Joshua Dudley Greer : Somewhere Along the Line

Entre 2011 et 2017, Greer a parcouru plus de 160 000 km à travers les États-Unis, et s’est arrêté dans des zones périurbaines. Il a observé l’impact des autoroutes sur les paysages et les zones d’habitation qu’elles traversent.

Il en a tiré Somewhere Along the Line.

On y découvre une Amérique en pleine transformation, où l’industrie et la modernité redessinent les paysages naturels. Greer crée des images puissantes, et mêle un regard de sociologue avec une touche d’humour à la Joel Sternfeld je trouve (que j’ai cité avant).

Plus de Joshua Dudley Greer :

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Dirty Harry : Warn’d in vain

Le photographe grec Charalampos Kydonakis aka Dirty Harry a une approche de la photo de rue bien à lui. Il utilise le flash un peu comme le ferait un Bruce Gilden, tout en apportant quelque chose qui lui est propre, plus expérimental et fictionnel.

Warn’d in vain se focalise sur son travail réalisé dans les rues de New York entre 2014 et 2017.

En 2021, Dirty Harry évoquait sa pratique dans un post instagram :

« J’ai arrêté d’utiliser des zooms et je me suis mis à photographier avec des objectifs fixes et un flash en 2009 :

• un objectif Canon EF 28 mm, f/2.8
• un objectif Canon EF 28 mm, f/1.8

Les deux objectifs sont corrects, mais pour moi la différence de prix ne vaut pas le coup, car à l’époque où je les ai achetés, je ne photographiais qu’avec un flash, donc la plus grande ouverture ne faisait aucune différence.

Le f/1.8 a cependant une construction plus solide, j’ai cassé la bague de mise au point du f/2.8 lors d’une nuit un peu trop arrosée. »

Voir le post instagram d’upphotographers dans son élément

Tirez-en les conclusions que vous voudrez.

Plus de Dirty Harry :

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Khalik Allah : Souls Against the Concrete

Ça fait pas mal de temps que Khalik Allah est connu dans le petit monde de la photo de rue. Au début des années 2010 déjà, son nom circulait pas mal sur les forums spécialisés, aujourd’hui disparus.

Le sujet est fort : les marginaux et les laissés-pour-compte qui peuplent l’angle de la 125e rue et de l’avenue Lexington à Harlem. Des hommes et des femmes qui se défoncent au K2, un cannabis de synthèse 100 fois plus puissant que la marijuana.

Son esthétique aussi. Le matériel ne fait jamais un photographe, mais en même temps il le fait. Khalik embarque un vieux Nikon F2 des années 1970 et une pellicule conçue pour le jour, la Kodak Portra 160.

La nuit, elle peine, même en ouvrant à fond le diaphragme de son objectif, un Nikkor 55 mm 1.2. La seule lumière disponible provient des vitrines, des lampadaires, des véhicules et des ambulances qui passent.

C’est de là que vient le style si personnel de Khalik Allah.

Si vous voulez savoir comment Khalik Allah s’est émancipé du travail des plus grands photographes de rue pour trouver son propre style, jetez un coup d’oeil à mon article :

Comment Khalik Allah a contourné les règles de la photo de rue

Plus de Khalik Allah :

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Josef Hoflehner : Roadside America

Josef Hoflehner est un photographe autrichien né en 1955.

Roadside America, publié en 2019, est le résultat d’une décennie de travail, de 2007 à 2017. Le photographe a parcouru les routes américaines, des déserts de l’Utah aux villages de l’Arkansas, en passant par la Californie.

Josef Hoflehner dit :

« J’aime les espaces vides. Je préfère le mauvais temps. J’adore la neige, la glace… et les arbres. »

Il est aussi fort pour traduire en images l’impact de l’homme sur son environnement sans jamais montrer une seule personne.

Plus de Josef Hoflehner :

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Matt Black : American Geography

Matt Black est un photographe américain né en 1970. Son travail se concentre sur les inégalités sociales et économiques aux États-Unis, qu’il documente en noir et blanc – un noir et blanc très contrasté.

De 2013 à 2020, le photographe a parcouru 46 États et plus de 150 000 km pour montrer l’Amérique invisible. Pour cela, il s’est rendu dans les coins les plus pauvres des États-Unis, des villes en déclin et des zones rurales dont les médias ne parlent jamais.

Il en résultat le livre American Geography dont certaines images sont devenues instantanément cultes.

American Geography est disponible en version française aux Éditions Xavier Barral/Atelier EXB.

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Jake Reinhard : Laurel Mountain Laurel

Jake Reinhard est un jeune photographe américain originaire de Pennsylvanie. Il est titulaire d’une licence en sociologie et d’un doctorat en droit de l’université de Pittsburgh.

Dans Laurel Mountain Laurel, publié en 2021 par les éditions Deadbeat Club, il explore la région de la Rust Belt (« ceinture de la rouille »), à travers des photos prises dans le Sud-Ouest de la Pennsylvanie.

On y voit des images de maisons abandonnées, d’usines envahies par la végétation et de voitures brûlées, tout ça pour montrer le déclin post-industriel de la région.

Le livre aborde les thèmes du déclin industriel mais aussi de la solitude et du passage du temps. Son titre Laurel Mountain Laurel est un palindrome, sans doute pour refléter l’idée que le temps est cyclique : la fin est le début, et vice-versa.

Reinhart trouve aussi de la beauté dans cette décadence, en montrant des moments de tendresse et d’humanité au milieu de la désolation.

Les rails de chemin de fer, omniprésents, rappellent une industrie disparue, tandis que les fleurs qui éclosent peuvent symboliser la renaissance.

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Bryan Schutmaat : Grays The Mountain Sends

Bryan Schutmaat est un photographe américain né en 1983. Son travail se concentre sur l’Amérique rurale, qu’il photographie avec un regard d’une grande sensibilité.

Dans Grays The Mountain Sends, publié en 2013, il explore les villes minières déclinantes de l’Ouest américain.

Il combine paysages, natures mortes et portraits. Ses portraits de travailleurs sont formidables.

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Alessandra Sanguinetti : Some Say Ice

Alessandra Sanguinetti est une photographe américaine née en 1968. Elle grandit et fait ses études en Argentine. En 1999, en Argentine, elle rencontre deux fillettes, Guillermina Aranciaga et Belinda Stutz, qu’elle commence à photographier.

De cette rencontre, il en résultera deux livres pour lesquels elle est célèbre : The Adventures of Guille and Belinda and The Enigmatic Meaning of Their Dreams (2010) et The Ilusion of an Everlasting Summer (2020).

Quant à Some Say Ice, c’est un projet qu’elle a fait aux États-Unis, dans la petite ville de Black River Falls, dans le Wisconsin.

Pourquoi s’est-elle rendue là-bas ? Tout part de Wisconsin Death Trip, un livre photo qu’elle découvre dans son enfance. Ce livre documente les difficultés des habitants de cette région au 19ème siècle. C’est la première fois qu’elle voit des images de la mort. Elle en est fortement marquée.

En 2014, Alessandra Sanguinetti démarre le projet qui deviendra Some Say Ice.

Il n’y a aucun texte dans le livre, ce qui nous pousse à imaginer. Ce que je peux dire, c’est qu’on a l’impression d’être plongé au milieu d’une sorte de rêve étrange. Je ne sais pas si c’est dû à la lumière si particulière ou au contenu des images, qui mélangent éléments gothiques, moments de tendresse et une sorte de mélancolie latente.

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Robbie Lawrence : Blackwater River

Pourquoi ce titre, Blackwater River ? Regardez une carte des États-Unis. Dans le Sud-Est du pays, dans l’État de Géorgie, le fleuve Ogeechee est appelé localement « Blackwater River » (la rivière aux eaux noires). Son nom vient de ses eaux, sombres comme du verre noir, qui dissimulent tout ce qui se trouve sous la surface.

En novembre 2017, le photographe Robbie Lawrence né en 1988, accompagné de l’écrivaine Sala Patterson, se rend dans la région côtière entre la Géorgie et la Caroline du Sud, près de l’endroit où la rivière Ogeechee se déverse dans l’océan Atlantique.

Leur objectif est d’exprimer, à travers un lieu unique, les problématiques qui agitent les journaux et les divisions politiques aux États-Unis, notamment le racisme et la religion.

Blackwater River retrace aussi leurs rencontres marquantes et leurs réflexions plus ou moins abstraites et symboliques.

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Ian Bates : Meadowlark

Ian Bates est un photographe américain, né en 1989.

Meadowlark (2020) est un projet photo sur les grands espaces vides de l’Ouest américain. Bates a passé des années à conduire à travers ces paysages étendus. Il a souvent dormi dans sa voiture, guidé par une passion et une patience rares.

Son travail s’inspire d’un oiseau emblématique de la région, la sturnelle de l’ouest (« western meadowlark »), qui donne son nom au projet. L’oiseau reste insaisissable tout au long du livre, n’apparaissant qu’une seule fois, sous la forme d’un dessin sur un morceau de bois.

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Matthew Genitempo : Jasper

Matthew Genitempo est un photographe américain né à Houston en 1983. En 2016, il se trouve dans les Monts Ozarks, à la frontière de l’Arkansas et du Missouri. Il fait la connaissance d’hommes qui ont choisi de vivre seuls au fond des bois.

Pendant des mois, le photographe partage leur quotidien. Il apprend à les connaître, chaque jour un peu plus, s’adapte patiemment à eux et à leur univers. Il en résulte ces images d’étendues sauvages et ces portraits sensibles.

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Curran Hatleberg : River’s Dream

Curran Hatleberg est un photographe américain né en 1982. En 2022, il publie River’s Dream, un voyage à travers l’Amérique pendant les chaudes journées d’été. On ressent la chaleur étouffante, l’humidité dégoulinante, la végétation luxuriante et les insectes hurlants.

Hatleberg a voyagé dans tout le pays, guidé par son intuition, au gré des gens qu’il rencontrait. Il en résulte ces images à la fois familières et étranges, où le quotidien prend des airs surréalistes.

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Rahim Fortune : I Can’t Stand to See You Cry

Printemps de covid 2020. Rahim Fortune, un jeune photographe américain de 26 ans, balance ses affaires dans un camion de déménagement et quitte son appartement new-yorkais, direction le Texas et la ville d’Austin d’où il est originaire.

Il revient dans la maison familiale s’occuper de son père. La maladie de Charcot dont il est atteint s’est aggravée les semaines précédentes. Sur place, Rahim photographie ses proches face au deuil imminent ainsi que ses amis d’enfance. Les portraits qu’il fait dégagent tendresse et vulnérabilité, tout en évitant le côté larmoyant. C’est fort. Mais le livre est plus que ça.

Son histoire personnelle se mélange au contexte social. En fond, la pandémie incertaine, les troubles sociaux suite aux violences policières. Rahim photographie sa ville entre fiction et réalité. Bien qu’Austin soit en cours de gentrification, le photographe porte son regard ailleurs, se concentrant sur des choses qui, selon lui, illustrent le mieux la culture de la ville.

Voici ce qu’il en dit :

« Si vous alliez à Austin, vous ne verriez pas vraiment mes photographies représentées. Il faut les chercher. »

Le livre est publié aux éditions Loose Joints.

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Vasantha Yogananthan : Mystery Street

Vasantha Yogananthan est un photographe français né à Grenoble en 1985. Mystery Street a pour sujet l’enfance à La Nouvelle-Orléans.

Vasantha y passe trois mois durant l’été 2022. Il photographie des enfants de 8 à 12 ans dans cette ville marquée par l’ouragan Katrina. Les images nous plongent dans leur univers, rempli de jeux et d’innocence, sous le soleil brûlant de la Louisiane.

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Mark Power : Good Morning, America

Mark Power est un photographe britannique né à Harpenden en 1958. Pour lui, la photographie est un outil pour explorer les changements sociaux dans le monde, en particulier aux États-Unis, qu’il parcourt depuis 2012.

Good Morning, America est le résultat de cette exploration où se dessine une Amérique en pleine mutation. Quatre volumes ont déjà été publiés. Le 5ème sortira en 2025.

Plus de Mark Power :

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