Les États-Unis en 53 livres photo

Susan Meiselas : Prince Street Girls

Susan Meiselas est une photographe américaine née en 1948. Dans ses projets documentaires, elle explore les questions de culture, d’identité et de conflit, souvent à travers un regard profondément humaniste.

Tout son talent se remarque dans la série intitulée Prince Street Girls qu’elle a réalisée dans les années 1970.

Elle photographie des jeunes filles dans le quartier de Little Italy à New York. Sur les images, on voit leur quotidien à travers des moments simples comme jouer dans la rue ou discuter entre copines.

Comme souvent chez Meiselas, des moments intimes révèlent des histoires plus grandes. Dans Little Italy, on entrevoit ce qu’était la vie d’une jeune adolescente qui grandissait à New York dans les années 1970.

Plus de Susan Meiselas :

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➜ Instagram : suivre @susanmeiselas

➜ Podcast : écouter Susan Meiselas : « Pour moi, voir c’est écouter » (59 min), un entretien réalisé par Caroline Broué pour le podcast Les Masterclasses, diffusé en 2019 sur France Culture

William Eggleston : Election Eve

Le livre Election Eve contient des images réalisées en octobre 1976, un mois avant que Jimmy Carter ne soit élu président des États-Unis. C’est une commande que passe le magazine Rolling Stone à William Eggleston, alors âgé de 37 ans.

Fidèle à lui-même, Eggleston ne prend aucune image ni de Carter ni de ses proches. Uniquement des photos de routes isolées, de voies ferrées, de voitures, de stations-service et de maisons pour la plupart vides.

Jetez un coup d’oeil à cet article si vous voulez en savoir plus sur le William Eggleston. Je décortique notamment ses influences et raconte comme il est devenu cette légende de la photographie.

Guide pour devenir le prochain William Eggleston

Plus de William Eggleston :

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➜ Vidéo : voir Rambling through Eggleston’s Democratic Forest (43 min) où Alec Soth analyse en anglais le travail de William Eggleston : brillant et indispensable

➜ Documentaire : voir By the Ways: A Journey with William Eggleston (1h27) réalisé en 2007 par Vincent Gérard et Cédric Laty

➜ Podcast : écouter l’émission William Eggleston (53 min) provenant du podcast Sur les docks diffusé en 2014 sur France Culture, avec des invités de choix : les photographes Joel Meyerowitz, Martin Parr, Raymond Depardon ; les critiques Régis Durand, Brice Matthieussent, David Campany ; le co-réalisateur du documentaire By the Ways: A Journey with William Eggleston, Vincent Gérard.

Lee Friedlander : Self Portrait

Lee Friedlander est un photographe de rue américain né en 1934. Un grand nom connu pour ses paysages urbains et ses scènes de la vie quotidienne qu’il capture dans des compositions complexes, souvent remplies de reflets, d’ombres ou de cadres dans le cadre.

Souvent, il intègre des éléments visuels inattendus, tels que des miroirs, des vitrines, ou des panneaux de signalisation, qui ajoutent des niveaux de complexité et de profondeur à ses images. Ses photos brouillent ainsi la frontière entre le sujet et son environnement, ce qui crée une sorte de tension visuelle et narrative.

Friedlander ne cherche pas à capturer des moments décisifs ou à faire des déclarations sociales évidentes. Au contraire, il se concentre sur la banalité du quotidien, qu’il transforme en compositions visuellement intrigantes.

Comme ici :

Dans cet article, je mets en avant une autre partie de son travail, qui pour moi n’a pratiquement pas d’équivalent dans l’histoire de la photographie – si ce n’est peut-être Vivian Maier, – ses incroyables autoportraits.

Au sujet de ses autoportraits, Friedlander dit :

« Au début, ma présence sur mes photos était fascinante et dérangeante. Mais au fur et à mesure que le temps passait et que je faisais de plus en plus partie d’autres idées, j’ai pu ajouter un petit tressaillement à ces sentiments. »

Son apparence peut être observée par des ombres, des miroirs et parfois même plus directement réfléchie à travers l’objectif de son appareil photo.

Self Portrait, sorti en 1992, rassemble ces images. C’est un livre mythique.

Aujourd’hui, à 90 ans passés, Friedlander continue obsessionnellement à se photographier. Probable qu’il rende son dernier souffle en prenant un ultime selfie.

Plus de Lee Friedlander :

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Joel Meyerowitz : Cape Light

Je vous raconte vite fait l’histoire derrière le livre culte Cape Light.

En 1976, Joel Meyerowitz achète une chambre Deardorff en bois, utilisée au 19e siècle par les photographes paysagistes. Il y fixe un grand angle.

L’été suivant, il part avec sa famille à Cap Cod, au Nord-Est de New York. Dans le logement prêté par un ami, il installe un plan-film, pose le tissu noir sur la tête et ouvre l’obturateur. Sur le verre dépoli, il voit l’intérieur de la maison. L’excitation le gagne.

Plus tard, il imprimera cette photo en format géant, 5 mètres sur 6. Le négatif, immense, a capté chaque détail : la lumière douce et les verticales parfaites des portes et des murs.

Pendant deux étés, Meyerowitz ne quittera plus la chambre Deardorff. Dans sa voiture, elle est sur le siège arrière. Sur la plage, sur son épaule. Partout où il va, elle est là. Toutes ces années dans la rue avec son petit Leica l’aident.

Deux ans plus tard, en 1978, il publie son chef d’œuvre Cape Light, recueil de photographies prises à Cap Cod avec la chambre Deardorff.

Si vous voulez tout savoir sur Joel Meyerowitz, jetez un coup d’oeil à mon article :

Comment la street photography a révélé Joel Meyerowitz

Plus de Joel Meyerowitz :

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➜ Instagram : suivre @joel_meyerowitz

➜ Podcast : écouter l’émission Joel Meyerowitz : « Pour moi, la photographie est le véhicule de mon existence » (25 min) provenant du podcast L’invité culture diffusé en 2018 sur France Culture.

Vivian Maier : The Color Work

Publié en 2018, The Color Work rassemble les photos en couleur de Vivian Maier (1926-2009), une part méconnue de son travail.

La photographe teste la couleur dès les années 1950. Dans les années 1970, elle abandonne définitivement le noir et blanc après avoir acheté un Leica.

Ses photos, prises dans les rues de New York ou Chicago, montrent des scènes du quotidien où les couleurs jouent un rôle central. C’est une partie moins connue de l’œuvre de Maier, souvent associée au noir et blanc.

Son travail en couleur est remarquable, avec un humour à la Martin Parr et une poésie à la Saul Leiter. Et toujours, ce fabuleux sens du cadrage.

Si vous voulez tout savoir sur la vie de Vivian Maier, jetez un coup d’oeil à mon article. J’y détaille des sujets rarement abordés, comme sa personnalité et ses influences.

La folle vie intérieure de Vivian Maier

Plus de Vivian Maier :

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➜ Instagram : suivre @vivianmaierarchive

➜ Podcast : écouter l’émission L’invention et la découverte de Vivian Maier (58 min) provenant du podcast La Compagnie des œuvres diffusé en 2021 sur France Culture.

Robert Adams : Summer Nights, Walking

Robert Adams est un photographe américain né en 1937. Il est reconnu pour ses travaux sur les paysages de l’Ouest américain, où il explore les effets du développement de la ville et de l’homme sur la nature. Ce qui le rend unique, c’est son approche documentaire alliée à une grande sensibilité esthétique.

Son travail est connu pour être un peu hermétique. Summer Nights, Walking est son projet le plus accessible.

Ces nuits d’été sont une promenade nocturne dans les rues de Longmont, dans le Colorado, où Robert Adams vivait dans les années 1970.

D’abord banales, voire austères, les images livrent leurs secrets à ceux qui prennent le temps de les observer. Elles déçoivent si l’on attend d’elles une signification évidente.

Publiée pour la première fois en 1985 sous le titre Summer Nights, la série a une nouvelle fois été éditée par les éditions Steidl en 2023.

Plus de Robert Adams :

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➜ Site internet : consulter celui de la Fraenkel Gallery qui présente un bonne part du travail de Robert Adams

Ray K. Metzker : The Photographs of Ray K. Metzker

Ray K. Metzker (1931-2014) est un photographe américain connu pour ses expérimentations fascinantes avec la lumière et les ombres.

Influencé par le modernisme, il se distingue par son utilisation innovante du contraste et de la géométrie dans la composition. Son style unique transcende les conventions de la photographie de rue de l’époque, jusqu’à créer des images presque abstraites.

Admirez ce clair-obscur mettant en scène un marin.

La maîtrise formelle de l’image est frappante. Le contraste entre la lumière intense et le noir omniprésent capte l’attention. Tout comme l’unique sujet. La tête inclinée du marin, au moment où il entre dans l’ombre, apporte une émotion discrète mais palpable.

Le livre The Photographs of Ray K. Metzker est une rétrospective qui couvre plusieurs décennies de son travail, principalement des années 1950 aux années 1980.

Plus de Ray K. Metzker :

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➜ Article : lire Ray K. Metzker et les bonnes images (17 min) sur le blog de Thomas Hammoudi

Stephen Shore : Uncommon Places

Publié à l’origine en 1982, le livre Uncommon Places a donné envie à des générations de photographes de prendre la route et de s’équiper d’une chambre grand format 8×10.

Dans ce livre culte, Stephen Shore, né en 1947, documente les paysages urbains et suburbains des États-Unis, en se concentrant sur le banal du quotidien. Les photos ont été prises entre 1973 et 1981.

Stephen Shore dit :

« Voir quelque chose de spectaculaire et y voir une possibilité photographique n’est pas un grand pas en avant. Mais voir quelque chose d’ordinaire, quelque chose que l’on voit tous les jours, et y voir une possibilité photographique, voilà ce qui m’intéresse. »

Dans une interview pour la Fondation Henri Cartier-Bresson, Stephen Shore commente la photo suivante prise le 13 juillet 1974 sur Holden Street dans la ville de North Adams, dans le Massachusetts.

Stephen Shore dit :

« La photo montre une rue d’une ville industrielle du 19e siècle avec ses bâtiments en briques rouges. On voit surtout où se termine la ville et où commence la campagne. L’image montre exactement la limite entre la ville et la campagne. C’est quelque chose qui m’intéresse et que l’on voit très rarement aussi nettement depuis le sol que sur cette photo de North Adams. »

Extrait de l‘interview filmée de Stephen Shore dans le cadre de l’expo “Véhiculaire & Vernaculaire” à la fondation Henri Cartier-Bresson (5min42)

Plus de Stephen Shore :

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➜ Instagram : suivre @stephen.shore

➜ Vidéo : voir la discussion entre Stephen Shore et Quentin Bajac (58 min), directeur du Jeu de Paume, diffusée sur youtube à l’occasion de la rétrospective Stephen Shore : Véhiculaire & Vernaculaire (2024), à la Fondation Henri Cartier-Bresson.

Bernard Plossu : Western Colors

Le photographe français Bernard Plossu a 20 ans lorsqu’il arrive au Nouveau-Mexique au milieu des années 1960, où il retrouve les décors familiers de son enfance, ceux qu’il voyait dans les westerns avec son père.

Western Colors se concentre sur son travail réalisé dans les années 1970 et 1980. Plossu mêle les tumbleweeds – ces légendaires buissons roulants – aux routes ocres de Monument Valley, en passant par les diners, les stations-service, et une simple paire de boots.

Plossu ne capture pas des lieux ou des sujets précis, mais plutôt des sensations et des impressions, que transcendent les tirages effectués par le procédé Fresson.

Plus de Bernard Plossu :

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➜ Podcast : écouter deux interviews de Bernard Plossu issues des podcasts de Radio France :

• Bernard Plossu, les années américaines (54 min), une émission diffusée en 2023 dans le podcast de France Inter, Les chemins de la connaissance

• Made in USA, la photographie de Bernard Plossu (27 min), une émission diffusée en 2023 dans le podcast de France Culture, Bienvenue au Club

Nan Goldin : La Ballade de la Dépendance Sexuelle

Nan Goldin est une photographe américaine née en 1953, connue pour son travail intime et autobiographique qui aborde des thèmes comme l’amour, la sexualité, la dépendance et la marginalité.

La Ballade de la Dépendance Sexuelle, publié en 1986, est son oeuvre la plus emblématique, l’une des plus importantes du 20ème siècle. Le critique photo Andy Grundberg écrit dans les colonnes du New York Times du 21 décembre 1986 :

« Ce qu’était Les Américains de Robert Frank dans les années 50, La Ballade de la Dépendance Sexuelle de Nan Goldin l’est pour les années 80. »

On est plongé dans la vie intime de Nan Goldin, en compagnie de ses amants et de ses amis, issus du milieu underground et LGBTQ+ de New York.

Nan Goldin ne cherche pas la perfection technique, mais à saisir la vérité de l’instant. Ses images, faites à la lumière ambiante, sont souvent floues et granuleuses, ce qui donne l’impression de plonger dans la vraie vie de la photographe et touche directement au coeur.

Si vous voulez tout savoir sur La Ballade de la Dépendance Sexuelle, je décrypte le livre dans un article :

La ballade de Nan Goldin : de l’intime à l’universel

Plus de Nan Goldin :

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➜ Instagram : suivre @nangoldinstudio

➜ Podcast : écouter deux interviews de Nan Goldin :

• Songes avec Nan Goldin (54 min), une émission diffusée en 2018 dans le podcast de France Inter, L’Heure bleue, présenté par Laure Adler.
• L’autoportait : Nan Goldin (60 min), une émission diffusée en 2006 dans le podcast de France Culture, Les Nuits de France Culture, présenté par Jean Daive.

➜ Documentaire : voir le magnifique Toute la beauté et le sang versé (2h07) réalisé en 2023 par Laura Poitras

Wim Wenders : Written in the West

En 1983, le réalisateur allemand Wim Wenders prépare son film Paris, Texas. Il parcourt l’Ouest américain à la recherche de lieux et de sujets inspirants, équipé d’un appareil photo moyen format 6×7.

Pendant plusieurs mois, il conduit sur les routes du Texas, de l’Arizona, du Nouveau-Mexique et de la Californie, fasciné par l’immensité et la lumière de ces endroits.

Le livre Written in the West sorti en 1987 rassemble ces images.

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➜ Vidéo : regarder 3 vidéos youtube :

• The Photography of Wim Wenders (10 min), une vidéo réalisée en 2021 par Tatiana Hopper (en anglais).
• Wim Wenders est dans le Vidéo Club (24 min), une vidéo réalisée en 2023 par Konbini.
• Wim Wenders en 10 minutes (12 min), une vidéo réalisée en 2023 pour l’émission d’Arte, Blow Up.

Richard Avedon : In the American West

Entre 1979 et 1985, le photographe Richard Avedon (1923-2004) a parcouru l’Ouest américain avec une chambre grand format pour capturer les visages et les histoires de gens ordinaires : travailleurs manuels, petits employés, marginaux.

En 6 ans, il a voyagé à travers 17 États et 189 villes, réalisant 752 portraits, du Texas à l’Idaho.

Le photographe a utilisé un fond blanc pour ses portraits, isolant ainsi les sujets de leur environnement et renforçant l’impact de chaque image.

In the American West, qui rassemble ces images, est une oeuvre majeure dans l’histoire de la photographie américaine.

Plus de Richard Avedon :

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➜ Podcast : écouter Richard Avedon, bigger than life (59 min), une émission diffusée en 2017 dans le podcast de France Culture, Vies de photographes

Joel Sternfeld : American Prospects

American Prospects (1987) explore l’Amérique des années 1980. Sternfeld, né en 1944, photographie des paysages et des scènes de la vie quotidienne, en révélant des détails surprenants et des contrastes inattendus.

Le photographe combine la beauté des paysages américains avec des éléments de la vie moderne, souvent avec une touche d’ironie. Il a un regard à la fois critique et poétique sur les transformations sociales et environnementales des États-Unis.

Plus de Joel Sternfeld :

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Raymond Depardon : Depardon USA

On ne présente plus Raymond Depardon, l’un des plus grands photographes français, connu pour son approche documentaire et son regard humaniste. Il a eu mille vies. L’une d’elles l’a conduit aux États-Unis, où il est allé plusieurs fois au cours de sa carrière.

Il y a photographié, pour des magazines ou pour lui-même, des moments clés de l’histoire mais aussi des scènes de rue et des paysages plus contemplatifs, emblématiques de l’Amérique.

Le livre Depardon USA rassemble ces images, la plupart prises au cours des années 1980.

Plus de Raymond Depardon :

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➜ Podcast : écouter une série d’entretiens intitulée Raymond Depardon, subjectif derrière l’objectif (2h05), diffusée en 2006 dans le podcast de France Culture, À voix nue :

• Épisode 1/5 : Raymond Depardon : « Je suis capable de vivre un temps peut-être un petit peu différent de celui des villes » (25 min)
• Épisode 2/5 : Raymond Depardon : « Au fond de moi, je n’étais pas fait pour être photographe » (25 min)
• Épisode 3/5 : Raymond Depardon : « Rester dans un lieu, ne plus y bouger et construire un film comme ça, à la bonne distance » (25 min)
• Épisode 4/5 : Raymond Depardon : « Dès qu’il y a photographie, il y a prise de cadre, moment choisi, un engagement » (25 min)
• Épisode 5/5 : Raymond Depardon : « Je suis très passé et très avenir. Je suis maladroit dans le présent. » (25 min)

Bruce Gilden : Facing New York

Tous les photographes de rue ont leur avis sur Bruce Gilden, le spécialiste du flash dans la tête des gens. Certains trouveront son approche dérangeante. D’autres, comme moi, estiment que dans ses images, on « sent » bien la rue et qu’au final, il ne fait rien de mal – c’est juste une photo, les gars !

NewYork lui va comme un gant, Bruce Gilden étant fasciné par les « personnages ».

Le photographe arrive à saisir l’énergie des rues new-yorkaises mais aussi son humanité derrière les apparences.

Gilden ne cherche pas à embellir ou à idéaliser, mais plutôt à témoigner de la réalité brute de la vie quotidienne.

Sorti en 1992, le livre Facing New York rassemble toutes ces images.

Plus de Bruce Gilden :

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➜ Podcast : Écouter Bruce Gilden (11 min), une émission diffusée en 2012 dans le podcast de France Culture, Mon œil !, présenté par Amaury Chardeau, où le photographe témoigne de son rapport intime à son métier.

Bruce Davidson : Subway

Bruce Davidson est un photographe américain né en 1933. Il est très fort pour s’immiscer dans les communautés ignorées et à la marge.

Dans les années 1980, il réalise une série dans le métro de New York, Subway, publiée pour la première fois en 1986 par Aperture.

C’est un choc.

Non seulement pour l’aspect documentaire d’un moment particulier de New York. (À cette époque, le métro est un lieu dangereux, où la criminalité est omniprésente.)

Mais aussi pour son esthétique qui emporte tout. Avec son appareil photo et un flash puissant, Davidson saisit des scènes hallucinantes et révèle l’énergie brute et chaotique d’un endroit qui s’est depuis assagi.

Plus de Bruce Davidson :

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➜ Instagram : suivre brucedavidsonphoto

➜ Podcast : écouter New York avec Bruce Davidson (59 min), une émission diffusée en 2015 dans le podcast de France Culture, Continent musiques.

Jamel Shabazz : Back in the Days

Jamel Shabazz est un photographe américain né à Brooklyn en 1960. Il a pas mal bossé sur les minorités aux États-Unis : noires, latinos et LGBT. Ses images, souvent joyeuses, célèbrent l’identité et le style de ces communautés.

Dans Back in the Days, on plonge à New York au tout début du hip-hop dans les années 80, bien avant les millions de dollars que brassent aujourd’hui cette industrie.

Avec son appareil photo, Shabazz documente cette émergence. On voit la jeunesse de l’époque, vêtue de sneakers, de casquettes Kangol et de chaînes en or. Le photographe immortalise non seulement un style devenu emblématique et une esthétique, mais aussi un moment culturel important.

Le livre Back in the Days (2002) est une référence qui montre la naissance d’un mouvement qui façonne le paysage culturel mondial.

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Jeff Mermelstein : SideWalk

Jeff Mermelstein est un photographe américain né en 1957. Sidewalk (« Trottoir »), publié en 1999, présente le meilleur de ses photos de rue réalisées à New York dans les années 1990.

Son travail combine le hasard de la rencontre avec un humour qui fonctionne, chose suffisamment rare dans la photo de rue pour le signaler.

Plus de Jeff Mermelstein :

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Philip-Lorca DiCorcia : Hustlers

La série Hustlers de Philip-Lorca DiCorcia met en lumière la réalité des travailleurs du sexe masculin à Hollywood, dans les années 1990.

Entre 1990 et 1992, DiCorcia a passé deux ans à parcourir Hollywood pour trouver ses sujets. Bien que les photos semblent spontanées, il a soigneusement sélectionné les lieux et testé la lumière avec son assistant avant de photographier les modèles.

Dans ce quartier de West Hollywood surnommé « Boystown », le photographe a abordé des jeunes hommes pour les convaincre de poser plutôt que de s’engager dans des activités sexuelles rémunérées.

Cette série, financée en partie par une bourse du Fonds national pour les arts, a été au cœur de controverses sur le financement public de l’art. Elle a également alimenté les débats académiques sur le rôle de la photographie dans la représentation de la réalité, DiCorcia jouant avec les notions de mise en scène et de vérité photographique. Ce qui peut faire sourire aujourd’hui à l’heure de l’IA.